Jazz au Cloître et Jazz Amélie viennent d’unir leurs destins pour donner naissance à Jazz en Tech. Coup d’envoi des festivités le 21 juillet.L’union fait la force. Le vieil adage semble s’appliquer également aux événements culturels. Cet été, deux festivals locaux, Jazz au cloître et Jazz Amélie, ont décidé de faire front commun.

C’est ainsi qu’est né un nouveau festival itinérant, Jazz en Tech, qui proposera une dizaine de concerts dans cinq communes traversées par le fleuve emblématique. « En s’unissant, on a réussi à bâtir un festival plus ambitieux pour faire vivre le swing dans la vallée du Tech, explique le président de Jazz au cloître, Alain Brunet. Nous vivons une période où les subventions publiques sont de plus en plus faibles. Mutualiser nous permet aussi d’envisager de nouveaux partenariats et de nouveaux financements. »

Tout savoir sur Jazz en Tech

Le programme complet

21 juillet à Amélie-les-Bains Palalda 21 juillet – THE AFTER SHAVERS,

23 juillet à Amélie-les-Bains Palalda STEEVE LAFFONT TRIO

24 juillet à Arles-sur-Tech – HARLEM NIGHTS BIG BAND

25 juillet à Céret – SYLVIA HOWARD & THE BLACK LABEL SWINGTET

26 juillet au musée d’art moderne de Céret (17h30) – TRIO JEAN-PIERRE MAS

27 juillet à Saint-Laurent-de-Cerdans (21 h) – AKPE MOTION

28 juillet à Saint-Génis-des-Fontaines – DAVE BRUBECK FOR EVER QUARTET

29 juillet à Saint-Génis-des-Fontaines – THE GLOSSY SISTERS

30 juillet à Saint-Génis-des-Fontaines – WALTER RICCI / DAVID SAUZAY 5TET

Jazz en Tech c’est aussi un site web www.jazzentech.com une page Facebook, toute fraîche de naissance .

Pour les réservations, il n’y a pas encore de billetterie en ligne, mais un système:

- envoyer ses demandes de réservation(s) sur contact@jazzentech.com : un mail retour confirmera la réservation qui sera à retirer sur place jusqu’à 1h au plus tard avant le début du concert concerné.

Il ne sera ici question que des festivals de l’été auxquels, d’une façon ou d’une autre, une amitié personnelle me lie.
C’est sans doute un parti-pris peu compréhensible, pas très acceptable. Mais il en sera ainsi (même si une exception est toujours susceptible d’intervenir).

Aujourd’hui voici une lettre du festival « Parfum de Jazz »:

• « Serendip » de Josef Bilek : voici une sorte de voyage musical sans cesse étonnant, voire choquant – au sens, bien sûr, où cette musique peut provoquer, provoquer un choc, vous saisir avec force et vous entraîner où elle le veut, malgré vos habitudes et vos réflexes. Que l’on connaisse son auteur ou non, on entend bien qu’il est féru de musique électronique et qu’il est ouvert à tous les possibles. Sans doute en raison même de cette liberté, ce qu’il peint, ce qu’il décrit, ce qu’il nous dit ici est toujours très beau et envoûtant. « Serendip » a convoqué outre la guitare, les samplers, claviers et la programmation de Josepf Bilek, Benoît Lecomte (b) et Mathias Guillet (claviers) et deux excellents batteurs, Philippe « Pipon » Garcia et Grégory Bourdas. Parmi bien d’autres « invités » on note la présence de la trompette reconnaissable entre toutes d’Eric Truffaz, le saxophone d’Eric Prost et les trois voix de Philippe Vincenot (conteur), Bernardo Sommani (chant) et Sarah Espour (chant). (CD Pag Editions Z Production/Inouïe distribution)

• « Equal Crossing » de Régis Huby : comme le disque précédent, avec – c’est évident – d’autres sources et aussi des buts qui ne sont pas précisément identiques, l’étonnant (lui aussi !) violoniste Régis Huby (entendu il y a peu avec Maria-Laura Baccarini) signe une œuvre toute remarquable, impressionnante de maîtrise et d’inventivité. On pourrait dire – mais il faudrait l’entendre avec bonheur, cela va de soi ! – que cette musique ne ressemble à rien. A rien d’autre, à rien de véritablement familier, pas même de connu, pas même d’entrevu. C’est ce qui fait sa force, son emportement (au sens où elle nous mène sur des chemins incertains), sa générosité. Là encore on remarque la place de l’électronique, en particulier chez le leader, mais aussi chez Michele Rabbia (percussions) et – même si c’est avec des moyens un peu différents – dans le jeu de l’inégalable et inclassable Marc Ducret (g) et dans celui de Bruno Angelini (p, Fender Rhodes, Minimoog). Voici un enregistrement, non pas « qui devrait », mais « qui doit faire date ». (CD Abalone/L’Autre Distribution)

• « U-bi_K » et « easy listen_ _ing » par Ping Machine : les quinze musiciens de Ping Machine sont prolixes. C’est le moins que l’on puisse dire ! Deux CD d’un seul coup (non pas un double album, ce qui n’est pas tout à fait la même chose) c’est là une rareté. Ou plutôt deux. Surtout parce que ces musiques sont exceptionnelles d’ardeur, d’audace ou plutôt de vivacité et de lucidité en même temps. « Ubik » est peut-être plus complexe mais « Easy Listening » n’a rien de la musique qui porte généralement cette étiquette. Comme précédemment l’électronique joue ici une place importante, parfois de premier plan mais pas toujours. Ce qui est certain c’est que les Ping Machine constituent aujourd’hui l’un des grands ensembles les plus prolifiques et surtout les plus généreux – musicalement s’entend – non seulement de l’Hexagone mais sans doute de la planète tout entière. (CD Neuklang Future/Harmonia Mundi distribution)

• « Les sons de la vie » par Laurent Dehors : l’autre big band remarquable (encore que le qualificatif soit largement insuffisant !) et pas seulement du moment – il existe depuis au moins vingt ans – c’est celui du clarinettiste et saxophoniste Laurent Dehors « Tous Dehors ». S’il n’a, lui encore, jamais hésité devant les audaces musicales, ce n’est pas son dernier opus que le démentira. Sans doute, les titres de chaque morceau qui évoquent avec plus ou moins de précision les étapes de la vie, pouvaient-ils laisser croire à quelques descriptions musicales, exercice toujours périlleux. Il n’en est rien ou, en tout cas, pas grand’ chose. « Les sons de la vie » constituent plutôt une sorte de longue suite où règne l’émotion, la vie telle qu’on l’éprouve et c’est là que se trouve la réussite de cette si belle musique. Comme chez Régis Huby, il faut noter ici la présence de l’inépuisable talent de Marc Ducret (g) et le très beau jeu de Matthew Bourne (p) qui avait déjà enregistré avec Laurent Dehors des « Chansons d’amour).(CD Abalone/L’Autre Distribution)

• « Tracé Provisoire » de Dominique Pifarély : deuxième violoniste de cette « saison », Dominique Pifarély a fait depuis longtemps bouger les lignes du violon de la musique improvisée. Et, lui non plus, n’en a de cesse. Son « tracé » est en effet tout provisoire, sur une ou quatre cordes raides comme un fil de ferriste qui nous emporterait dans des rêves étourdis. Il est ici remarquablement entouré d’Antonin Rayon (p), Bruno Chevillon (b) et François Merville (dm) et signe une œuvre, elle aussi audacieuse, d’une densité et d’une complexité qui, ensemble mêlées, en font pourtant quelque chose de simple et de fascinant, d’émouvant et à chaque seconde d’une rare intensité. (CD ECM).

• Coda : on pourrait se demander, à l’écoute de ces six enregistrements (en comptant les deux exemplaires pour Ping Machine) si tout cela peut encore porter le nom de jazz. Ce serait là une mauvaise question. Une mauvaise question est une question qui ne se pose pas. Il n’y a pas un « jazz », ni même plusieurs. (Il est vrai, me rétorquera-t-on, qu’avec ce genre d’affirmation on peut tout dire et notamment, qu’il n’y a jamais eu de jazz et aussi, le contraire – à moins que ce ne soit l’inverse, les mathématiciens apprécieront peut-être.) En tout cas on sait les stupidités venues il y a longtemps désormais des anathèmes de celui qu’on surnommait « le pape du jazz ». Heureusement que Boris Vian et d’autres surent lui répondre… Bref, si les musiques qui viennent d’être évoquées ici, trouvent leur place la plus juste sous ce titre de « Notes de Jazz », c’est précisément parce que – quoi qu’on puisse en dire par ailleurs – le jazz est plus une « attitude » de liberté, d’invention et d’audace toujours renouvelées que quoi que ce soit d’autre. Que ce nom de « jazz » recouvre tant d’univers différents et surtout ceux auxquels on ne pensait pas il y a encore tout juste un instant et cela en même temps que ceux de Bix, de Louis, de Duke, de Charlie, de John, de Sphere, de Bill, de Miles ou de Keith et de tant d’autres, tel demeure notre bonheur et tels sont encore nos espoirs…

• Les autres parutions de la « saison » :

  Nulle tentative d’exhaustivité ici – ce n’est de toute évidence pas le but de ces « Notes » – mais seulement le but de signaler quelques parutions arrivées jusqu’à elles (il s’agit des « Notes », bien sûr) :

• « Traces » par Claude Tchamitichian : on aurait bien aimé ranger cet enregistrement dans la « série » ci-dessus. Parce que Claude Tchamitchian est formidable musicien, une personne et une personnalité plus que sympathique et parce que son projet – celui de rendre en quelque sorte compte au travers d’une suite musicale comme Ellington ou Mingus en avaient conçu d’une histoire tragique, celle de l’Arménie – imposait de ne rien manquer, il faut se rendre à l’évidence d’une déception (alors que de nombreux autres analystes ont trouvé cette musique formidable, il faut le signaler) due à une sorte d’emphase qui empêche de partager réellement, c’est-à-dire de façon totale, comme cela doit être en pareil cas, ce que nous dit le compositeur et ses cinq partenaires (Géraldine Keller (voix), Daniel Erdmann (ts,ss), François Corneloup (g), Christophe Marguet (dm, perc). (CD Emouvance/Absilone).

• « LiFe On MArS ? » par Yann Viet : beaucoup de standards et de refrains populaires dans la musique de ce double album (agrémenté de 14 partitions), quelques belles compositions du guitariste et surtout beaucoup de bonheurs (musicaux) à partager grâce au talent incontestable de cet instrumentiste hors pair qui, simplement, nous enchante. (CD Eklyss/Jazzandcrunchguitar distribution)

• « Brazilian Samba Jazz » de Raul de Souza : Jean-Louis Lemarchand rappelle fort justement que Raul de Souza a enregistré pour la première fois comme leader en 1965. Ce tromboniste assez étonnant pour réaliser en quelque sorte sans coup férir une synthèse entre la samba et le jazz a en effet de quoi nous surprendre encore par son savoir-faire. De là à dire qu’il y a ici une véritable création musicale, sans doute pas. Mais on peut, sans se cacher, prendre beaucoup de plaisir à passer un moment en sa compagnie. (CD Encore Merci éditions)

• « Au début était le rythme » par L’Harmonie de Cosne dirigée par Jean-Yves Chir avec la participation de Bertrand Renaudin : quarante-cinq musiciens de toutes les générations, amateurs évidemment, habitants de Cosne-Cours-sur-Loire (Nièvre), charmante localité d’un peu plus de 12000 habitants. Saluons ce jazz « participatif », dynamique, si sympathique que l’enthousiasme nous emporte à son écoute. Et si c’était partout pareil…

* C’est sous le titre « Breitenfeld », véritable patronyme du saxophoniste Paul Desmond, que le contrebassiste Pierre Fénichel a sorti il y a quelques semaines un disque (Label Durance distribution Orkhêstra) avec Alain Soler (g) et Cédric Bec (dm).

Un « mot » de Paul Desmond dont on sait quel rôle il a joué auprès de Dave Brubeck, rappelé par Pierre Fénichel, dit l’essentiel : « J’essaye d’être mystérieux ».

Il y a dans cette musique (celle du trio de « Breitenfeld ») une simplicité étrange, des clartés sombres ou plutôt des lumières dans lesquelles il y a un trouble et tout ceci est fascinant, magnifique. Tout simplement. Parce que les trois musiciens sont exceptionnels. Parce que la guitare d’Alain Soler n’est pas pour rien dans la beauté de toute cette musique ; un peu comme l’était à sa façon le saxophone de Paul Desmond dans le quartet de Dave Brubeck.

Les interprétations de thèmes « rares » du quartet constituent l’essentiel de cet enregistrement. On ne peut qu’admirer tout autant une version aussi originale qu’intelligente et scintillante de mystères multiples d’ « Emily ».

* On peut dire sans se tromper que Lorenzo Naccarato est un jeune pianiste prometteur, que son trio avec son disque éponyme « Lorenzo Naccarato trio » (Label Laborie distribution Socadisc) est porteur de tous les espoirs. Ce serait juste mais sévère aussi. Car cette musique est à coup sûr plus haute d’intention que cela. Et dès maintenant, dès aujourd’hui. Le pianiste y fait entendre non seulement l’univers dont il vient, celui de la musique classique et du XX° siècle, celle de Debussy, de Ravel, de Satie mais aussi un monde insaisissable, donc très personnel et très beau, qui lui est propre. Il est accompagné avec invention par Adrien Rodriguez (b) et Benjamin Naud (dm) qui créent une sorte d’équilibre, mais d’équilibre fragile, se mettant toujours en jeu et en question et qui est, très précisément, ce qui convient au propos du pianiste.

Myriam Alter a déjà montré ses talents multiples. C’est une excellente pianiste. C’est surtout une étonnante compositrice : rare qualité s’il en est. On trouvera donc dans son dernier disque « Crossways » (paru en décembre 2015 – comme quoi ces « rattrapages » ne sont pas du luxe ! – sous le label ENJA distribution Harmonia Mundi) de quoi s’enchanter. Et peut-être même de chanter. Les musiques de Myriam Alter sont interprétées par John Ruocco (cl), Luciano Biondini (accordéon), Michel Massot (tuba, tb), Michel Bisceglia (piano et arrangements, Nick Thys (b) et Landers Gyselinck (dm). Myriam Alter clôt elle-même cet enregistrement par un morceau improvisé dédié à Mal Waldron qui fut autrefois son ami. Tout cela aussi est, très simplement, très beau. Souvent émouvant.

Voici trois disques de trois chanteuses, sortis (plus ou moins) récemment… d’où le titre de ces quelques lignes.

• Maria-Laura Baccarini et Régis Huby : « Gaber, io e le cose »

Ce disque dont l’univers musical – disons-le tout de suite – est assez loin du jazz est cependant assez exceptionnel pour être signalé. Et, pas seulement signalé, mais admiré.

Maria-Laura Baccarini que les amoureux du jazz connaissent bien s’est ici emparée du monde du chanteur, guitariste Giorgio Gaber, parfois rockeur, parfois jazzman, parfois sur scène avec Adriano Celentano, parfois inspiré par Ferré ou par Brel. Et aussi de celui de son parolier Sandro Luporini.

La musique inventée par les violons de Régis Huby  est envoûtante, multiple chaque fois qu’il tire de l’un ou l’autre d’entre eux des sonorités inattendues. La voix de Maria-Laura Baccarini est tout simplement magique, l’une des plus belles qui puissent s’entendre aujourd’hui. Assurément. (CD Abalone/L’autre distribution)

• Clara Simonoviez : « Do »

Avec Jean-Sébastien Simonoviez au piano et Jacques Bernard à la contrebasse Clara Simonoviez signe ici son plus bel enregistrement. Elle chante avec une intelligence rare, une précision étonnante, et surtout avec une passion intense, de chaque seconde aussi bien « Naima » que « Cherokee », « La javanaise » que « A une passante » (Baudelaire mis en musique et chanté autrefois par Léo Ferré). Jean-Baptiste Simonoviez est toujours l’un des excellents pianistes que l’on peut aujourd’hui rencontrer : son toucher est l’un des plus beaux qui soient et sa manière d’articuler et de construire une phrase est exceptionnelle. Jacques Bernard fait preuve de son côté d’une très belle sonorité boisée. Tous deux sont les musiciens qu’il faut pour créer avec Clara Simonoviez des paysages lumineux dans lesquels on voyage avec de grands bonheurs. (CD Label Hâtive)

• Camille Bertault : « En vie »

On la dirait surgie de nul part. C’est ce que l’on dit parfois. Ce serait un « réseau social » qui l’aurait rendue déjà célèbre. Il faudrait assurément dire que c’est surtout son travail (qui ne date pas tout à fait d’aujourd’hui si l’on en croit sa biographie en tout cas) et encore davantage son talent. Elle ne manque de rappeler ainsi ce que nous donna il y a déjà quelque temps Elisabeth Caumont tant dans le choix de son répertoire que dans sa manière. Mais Camille Bertault révèle avant tout une personnalité douée de remarquables intuitions artistiques qu’elle ne doit qu’à elle: ses propres créations (musiques, textes propres ou pour des standards) en sont les signes désormais inoubliables. Camille Bertault est magnifiquement accompagnée par le pianiste Olivier Hutman, le contrebassiste Gildas Boclé et Antoine Paganotti à la batterie. (CD Sunnyside)

Comment expliquer ?

Comment dire avec les mots, que Denis Fournier et David Caulet ne font qu’un ? Qu’il ne s’agit ici aucunement d’une rencontre, d’un duo au sens où on l’entend et le comprend d’habitude.
Peut-être faudrait-il  dire pour cela qu’il ne s’agit que de musique : d’une seule musique, de « quelque chose » où tout est lié, indissociable et même davantage : inanalysable.

Mais enfin, il faudrait encore montrer pourquoi et peut-être même comment Denis Fournier et David Caulet ont bien pu en arriver là et là, précisément, il est douteux que les mots, les raisonnements, les explications… expliquent et fassent comprendre quoi que ce soit.

Rien sans doute n’est calculé dans les huit compositions/improvisations de Long Walk, tout est donné, de façon absolue, dans une sorte d’immédiateté (on l’imagine ainsi, en tout cas) qui ne ressort ni d’un « calcul », ni d’un raisonnement. Mais seulement de sentiments, d’émotions, d’apaisements et de violences, de calme et de chants, de poèmes et d’épopées ou de romans imprévisibles, de ceux qui ne s’écrivent pas à l’avance mais seulement dans l’instant.

Et comme ces deux-là sont d’une chair sans autre prétention que celle d’être ce qu’elle est mais de l’être pleinement, eh bien voici un chef d’œuvre. Car c’est ainsi : il ne s’agit pas de jouer « simple » à un moment, « complexe » à un autre, il ne s’agit pas non plus de jouer « intérieur », cela ne suffirait pas. Il s’agit de ne pas jouer du tout. Et l’on peut dire que Denis Fournier (batterie, percussions) et David Caulet (saxophone, électronique) ensemble faut-il le redire, indissolublement, indissociablement, indistinctement, ne jouent pas : ils sont.

N’ayons pas peur de cette sorte de prodige : Long Walk, qui est sans doute l’une des plus belles musiques inventées depuis longtemps, a ceci de rare qu’elle nous renvoie à chaque seconde à nous-mêmes.

LA MUSIQUE DESORMAIS

C’était il y a longtemps. Avant même que quiconque ait pu dévoiler le mystère de la musique. C’était à une époque si lointaine qu’il n’y avait alors que le silence.

Peut-être est-ce aujourd’hui ! Peut-être est-ce maintenant !

Lorsque le piano de Jean-René Mourot et le saxophone de Michael Alizon nous convient à leur festin nous voici hors champ, habitant pour toujours un autre monde. Nous voici en aparté, comme enchantés par ce monde des ondes, sans aucun autre besoin désormais que celui des notes qui ponctuent le silence. Et qui ne s’en distinguent pas. Sauf pour ceux qui ne savent que compter, décompter, séparer, défaire.

Les heures alors se font oublier. Tant la musique met le temps hors de lui et l’abolit. Et nous, soudain, nous sommes comme un retour incessant, un retour à nous-mêmes. A l’un de ces instants où rien ne manque.

Voici une musique nouvelle, surprenante, déroutante, inclassable mais qui est celle d’une sorte d’origine, celle de l’origine de la musique elle-même, alors qu’il a fallu bien des inventions, bien des imaginations et bien des audaces, tant de peurs vaincues, tant de courage, pour qu’elle surgisse ici.

Jena-René Mourot, et Michael Alizon ont uni leurs énergies, leurs cœurs et leurs émotions, leurs sagesses et leurs rébellions aussi. Sans rien dire, sans prévenir, avec la discrétion de ceux qui donnent sans rien demander en retour.

On peut bien courir tout au long des couloirs du temps. Dans tous les sens. Sans cesse. On n’en revient jamais. Parce qu’enfin, enfin, on a trouvé la part essentielle de soi-même.

C’est une musique venue de loin qui nous est offerte, familière pourtant, elle qui est juste ce qu’elle est, une musique faite de rêves inouïs, une musique pour qui la vie est une suite d’espoirs sans fins.

Michel Arcens

PS: ce texte n’est autre que celui qui figure sur la pochette de l’album « Les couloirs du temps » (label Momentanea ») (sortie le 8 avril 2016)

Michel Marre est un explorateur incessant. Pas celui des pays lointains. Pas celui qui fait de si longs voyages qu’évidemment il finirait bien, un jour ou l’autre, à être l’inventeur d’un trésor que tout le monde alors désirerait, que le monde entier lui envierait.

Michel Marre, depuis toujours, depuis les années de son groupe Cossi Anatz, depuis son ancrage occitan-paysan du Larzac des années 70 – un ou deux siècles pour certains qui se trompent lorsque cela leur semble si lointain, car l’actualité de cette musique vivante demeure absolument, si l’on veut bien lui prêter encore l’oreille ; comme toutes les musiques imaginaires, inventives sur lesquelles le temps n’a de prise que pour ceux qui se contentent de l’éphémère, depuis toujours donc Michel Marre est un homme de racines, un musicien pour qui le sol et la terre elle-même ont un sens. Et, non seulement un sens parmi d’autres, mais une sorte de signification primordiale.

Il le prouve encore avec Ethnic Héritage (52° Rue Est   distribution Modulor) en réunissant Eric Séva l’un des plus brillants saxophonistes français, Frédéric Monino (b), Patrice Héral (dm), Guy Giuliano (accordéon) et Dominique Regef (vielle à roue) et en imaginant avec eux des paysages inouïs. Inouïs, car dessinés par des imaginations sans limites. Et c’est beau, sans aucun doute, des pays sans fins, sans bornes, en toute liberté, où l’on est chez soi, que l’on soit né dans des contrées où les vielles à roue sont encore en activité ou que l’on soit plus familier des villes du XXI° siècle.

Ethnic Héritage est une musique ouverte aux quatre vents et qui pourtant serait née quelque part, au fin fond d’un coin perdu.

Mais elle serait universelle, précisément, parce que née quelque part (et sans doute peu importe où – Marre a fait des tours et détours vers la Catalogne, la Roumanie, le Rajasthan, Haïti ou la Sibérie) elle nous emporte où elle veut et sans doute là-même où nous voulons aller, au fin fond de nos désirs, de nos rêves.

Il y a longtemps que le jazz a réussi quelques-uns de ses plus admirables chefs-d’œuvre en s’engouffrant dans les chansons populaires, celles des  « musicals » de Broadway, des films de Disney de « la belle époque » ou de Prévert et Kosma. Et de bien d’autres encore. Et cela continue et continuera encore. Car le jazz n’est pas un genre musical en lui-même mais une façon d’aborder la musique, une manière qui n’est que celle des musiciens eux-mêmes, dans leur singularité radicale, lorsqu’ils veulent dire leur émotion et peut-être la faire partager. Que celle-ci soit joyeuse ou nostalgique, qu’elle se souvienne d’une vieille rengaine, d’une berceuse ou d’un thème de Bach ou de Schubert.

Aujourd’hui, c’est le guitariste Hasse Poulsen et la contrebassiste Hélène Labarrière qui nous réjouissent et nous enchantent avec des chansonnettes – sans que ce terme ait ici quoi que ce soit de péjoratif, de méprisant, de négatif, bien au contraire, puisqu’il désigne d’une certaine façon ce que nous avons, nous tous, chacune et chacun d’entre nous, au fond de nous, de musicalité et de musique, en quelque sorte « sans le savoir », ce qui fait que nous chantons sous la pluie ou sous la douche ce qui est plus prosaïque mais tout aussi bien le même signe de la vie qui nous porte.

Cela s’appelle « Busking » (Inacor records/L’autre distribution) et cela porte bien son nom : « en jouant dans la rue », comme ça, l’air de rien, parce que ce n’est rien, parce que c’est tout bonnement ainsi que viennent les plus belles choses que la musique peut donner à une femme, à un homme, à nous tous.

Hasse Poulsen et Hélène Labarrière jouent Leonard Cohen (« Take This Waltz »), Paul Williams (« Special To Me »), Stromae (« Formidable »), « Feist (« Let It Die »), Lennon et McCartney (l’inusable « Lucy In The Sky With Diamonds »), Michel Berger et Luc Plamondon (« Les uns contre les autres ») et quelques autres encore comme Bob Dylan (« Farewell »).

Mais ce qu’ils font, ce qu’ils jouent, comment ils le jouent, comment ils l’inventent, l’imaginent, le rêvent, n’appartient qu’à eux. Et, par conséquent, n’appartient soudain qu’à nous. Parce qu’ils créent un monde, des univers, parce qu’ils sont là où on ne les attend pas, non pas qu’ils cherchent à surprendre à tout prix, encore moins à n’importe lequel, mais parce que la musique est ainsi, familière parce qu’étrange, extraordinaire parce que nous la connaissons déjà.

Et, tous deux, comme deux amis, deux vrais amis, des amis qui s’aiment sans avoir besoin d’autre chose que d’être ensemble, qui sont ensemble où qu’ils soient, la contrebasse vibrant comme la guitare, la guitare la plus inventive du moment, celle de Hasse Poulsen, avec la basse la plus vivante et la plus heureuse, la plus intelligente qui soit, celle d’Hélène Labarrière, et nous voici, nous aussi, entraînés sur les chemins de la chanson, sur ceux de la musique, sur ceux du jazz, sur les routes de la liberté qui nous habite.

Et si le théâtre et la poésie de Shakespeare étaient du jazz ?

Cette question est bien sûr historiquement stupide. Et, par ailleurs, tenter de le démontrer, de dire en quoi dans l’œuvre de l’un des plus grands écrivains de tous les temps (pour ne pas dire le plus grand), il y aurait quelque chose que l’on pourrait apparenter au jazz serait d’une prétention et sans doute d’une absurdité sans noms.

Alors oublions tout cela et louons sans fin le destin, ou l’intelligence de quelques-uns, ou le hasard qui fait parfois mieux que beaucoup d’autres « mécanismes » les choses, de nous permettre aujourd’hui de savourer les « Shakespeare Songs » que nous donnent Guillaume de Chassy (p), Andy Sheppard (saxophones), Christophe Marguet (dm) accompagnés ou accompagnant (comment faut-il l’entendre ? comment faut-il le dire ?) la merveilleuse Kristin Scott-Thomas lisant le grand William (CD Abalone/L’autre distribution).

Tout cela peut sembler étrange : une association quelque peu abracadabrante entre la musique et Shakespeare. Même si tant et tant de musiciens se sont inspirés de lui, au moins jusqu’à Duke Ellington (« Such Sweet Thunder »  en 1957) pour ce qui concerne le jazz.

La réussite merveilleuse de cet enregistrement provient sans doute d’une alchimie toute particulière. Une alchimie qui a évité les pièges de l’illustration, du « redoublement » ou de la redite (évités dans un tout autre contexte musical par le « Romeo et Juliette » de Berlioz mais pas par Prokofiev s’inspirant de la même tragédie.) Une alchimie qui provient sans doute de l’absence de tout calcul, de toute préméditation et presque de toute « intention ».

Grâce soit donc rendue à cette musique, à ce trio venu de nulle part, à cette voix si présente : ils ont su se laisser emporter par la poésie, par la littérature, par la vérité des mots lorsqu’ils sont aussi réels que rêvés, empreints de l’émotion qui les invente comme de la vie qu’ils disent. Grâce soit rendue à un ouvrage, à une œuvre faite de liberté, par la liberté elle-même, à une musique qui donne de l’espoir, l’envie de poursuivre encore et encore les chemins qui s’ouvrent devant nous aussi difficiles soient-ils.