notes de jazz

Thomas Julienne et le secret de la mise en scène

C’est à se demander ce qui donne l’impression d’une telle précision, d’une telle méticulosité. En même temps que d’une si grande, d’uns si intense liberté !

Faut-il alors essayer de débusquer d’où provient ce mystère et de le dévoiler ainsi ?

Il faudrait s’assurer en premier lieu que cela serait en notre pouvoir.

Il vaut sans doute mieux se laisser emporter.
C’est sans doute là – faut-il le souligner ? – que se situe toute musique dont l’esprit est celui du jazz, où s’il ne fait que s’insinuer mais où il ne manque jamais de jouer son rôle, celui d’éclaircir le chemin de chaque thème, ou bien, s’il le faut, à l’inverse de dissimuler ce qui doit le demeurer encore.

Cela ne définit sans doute pas la musique signée par le contrebassiste Thomas Julienne sous le titre de « Theorem Of Joy » (Inouïe distribution) mais cela peut, peut-être donner envie de la découvrir. On pénétrera alors dans un monde clair et obscur, dans une sorte de forêt primaire d’une grande beauté. On percevra cependant, aussitôt, l’extrême travail qui a certainement saisi tous les musiciens qui participent à ce projet. La « sophistication » s’alliant ainsi à « l’originalité » de cette musique fascinante à chaque instant.

Si Thomas Julienne s’avère ainsi pour son premier enregistrement un compositeur et un « metteur en scène » de premier plan, il faut aussi dire combien tous ceux qui, faisant bien plus que l’accompagner, participent pleinement de ce « Theorem Of Joy », apportant tous des couleurs, des paysages sidérants. Il serait vain et dénué de tout sens de dire que l’un ou l’autre aurait ici un rôle plus important que l’autre. Ellinoa (dont le récent « Wanderlust » a été loué ici même) a écrit tous les textes et elle les interprète avec un engagement, une sorte de don de soi qui fait tout son talent. Boris Lamerland (violon, alto) est  une magnifique découverte. Sa place est elle aussi capitale. Mais celle du guitariste Thomas Saint Laurent et du percussionniste Tom Peyron tout autant. C’est ainsi que naissent les plus grandes aventures musicales.

On doit signaler aussi la présence de quelques invités: le quatuor à cordes qui porte le très beau nom « Les enfants d’Icare », Emilie Calmé (flûte, bansuri), Mohammed najem (clarinette) et Maxime Berton (sax soprano).

Fred Pasqua de Ravel à Coltrane

Cela commence par un « Soupir »… signé Maurice Ravel, un soupir d’une minute et quarante-cinq secondes. Puis par « The Peacocks », le thème de Jimmy Rowles. Pour finir par « Louisiana Fairy Tale » en passant par des musiques de Miles Davis, d’Herbie Hancock, John Abercrombie, Joe Henderson, Milton Nascimiento, John Coltrane et d’autres tout aussi célèbres.
Mais rien n’est pareil. Tout, au contraire, est autrement. Non par trahison mais par respect. Non pas parce qu’on n’aurait pas le droit de s’approprier une œuvre telle qu’elle est mais parce que, à l’inverse, se l’approprier, chaque fois qu’elle devient vôtre, que vous l’ayez voulu, ou plus souvent parce que c’est elle qui s’est imposée à vous, quelque chose de nouveau, de neuf et pourtant il est vrai d’identique, s’est inventé. C’est ainsi que ceux qui écrivent les livres sont, pour peu qu’ils s’y donnent et s’y adonnent, les lecteurs davantage que les écrivains.

Fred Pasqua, un batteur d’une délicatesse, d’une musicalité comme on n’en fait peut-être trop peu, un musicien rare donc (mais que l’on entend de plus en plus souvent: cela va de paire et non l’inverse) a choisi quelques « pièces » qui l’ont enchanté pour en faire une œuvre (des œuvres) différentes réunies sous le titre de « Moon River » (il s’agit du thème de Mercer et Mancini qui fait partie de cette « sélection ») (Bruit Chic/L’Autre Distribution).

« Moon River » est ainsi une sorte de réinvention de musiques que beaucoup connaissent et dont nombreuses sont celles qui nous sont familières. Si cela peut sembler constituer un projet limité, ou trop ambitieux tout autant, eh bien, c’est sans doute alors que l’on ne s’est pas laissé emporter par Fred Pasqua et ceux qui l’entourent. Parce que ce « Moon River » est souvent étrange, presque toujours très surprenant, voire déroutant. Toujours envoûtant.

Ses trois principaux compagnons n’y sont pas pour rien. Yoann Loustalot, impeccable au bugle, avec des sonorités souvent « wheeleriennes », Nelson Veras le guitariste le plus imaginatif qui soit et la contrebasse d’une présence mesurée, donnant précisément la mesure (pas seulement celle du temps mais aussi celle de l’air de ce temps, du climat et du monde tout entier), celle de Yoni Zelnik.
Les invités du moment sont dans cette belle aventure, le pianiste Laurent Coq, Jean-Luc Di Fraya (chant), Adrien Sanchez (sax sur trois plages) et Robin Nicaise (sax sur deux plages).

Yannick Robert, l’espace et le temps

Brassens et Elvis convoqués il fallait oser. Le guitariste Yannick Robert l’a fait. Il l’a excellemment réussi.

Mais là sans doute n’est pas l’essentiel de son deuxième enregistrement avec son « Millenium Trio » (Alien Beats records/Inouïe distribution).

Ce qui fait vibrer c’est assurément le son de la guitare alliée à l’intelligence mélodique, aux grands espaces que Yannick Robert construit avec bonheur. Sans saturer ce que l’on pourrait appeler aussi bien « l’espace » que le « temps » comme le font trop souvent les guitaristes. En laissant souvent la place non seulement à ses deux partenaires Benoît Vanderstraten (b) et Franck Agulhon (dm), mais surtout en sachant à chaque instant que la multiplicité des sons et des notes n’apporte rien de plus (de plus que quoi ? faudrait-il dire) et qu’à l’inverse c’est ce qui semble être le peu qui est, non pas le « bon équilibre » mais plus encore la justesse même de la musique.

Sur ce territoire Yannick Robert excelle. Le Millenium trio aussi. Ce qui fait de cette musique une éclaircie apaisante.

David Sevestre: l’ardeur du free jazz

Cela commence par vingt-six secondes qui ressemblent à Ornette Coleman dans ses plus beaux jours. Et c’est, avec David Sevestre, tout le free jazz qui renaît dans toute son effervescence.

Ce jeune saxophoniste orléanais est un habile compositeur ce qui est, dans cet exercice, bien plus important que l’on pourrait l’imaginer en attribuant à l’improvisation toute la place (quand ce n’est pas pour certains auditeurs à l’approximation). Et, comme il est remarquablement entouré par ses amis Jérôme Damien (p), Nicolas Le Moullec (b) et Adrien Chennebault (dm) on assiste avec le bien nommé « Séisme » (c’est le nom du groupe) à un « Jishin » (c’est le titre de l’enregistrement) (Musique et équilibre/L’Autre distribution) assez enthousiasmant.

Il ne s’agit pas seulement ici d’une sorte « d’à la manière de » à propos d’une musique qui naquit il y a plus demi siècle (et qui reste pourtant toujours aussi stupéfiante) mais à une sorte d’évolution, de tentative d’ouvrir encore de nouveaux chemins égarés. Il y a dans « Jishin » des accents de musique contemporaine. Mais c’est qu’il y a dans la musique contemporaine des accents de free jazz. Ou plutôt, sans doute, s’agissant de directions qui ont été prises à peu de choses près à la même époque ou en tout cas dans des temps dont les caractéristiques de toutes sortes étaient similaires ou déjà de même nature à tout le moins, on peut imaginer qu’elles étaient faites pour se rencontrer, se ressembler et s’unir.
Il y a beaucoup de cela avec ce quartet. Avec ce qu’il faut de courage, d’audace, d’inventivité, d’imagination, de fertilité. Sans pour autant vouloir être « nouveau », « neuf », à tout prix. Il s’agit en effet bien plutôt d’être, disons, « juste ».

Et, dans cette direction, David Sevestre réussit fort bien.

Il faut souhaiter que cette aventure puisse se poursuivre sans jamais concéder aux « contraintes matérielles ».

Pierre Marcus: bien des bonheurs

Pierre Marcus est un remarquable instrumentiste. Sa contrebasse est l’une des plus intéressantes que l’on puisse entendre chez un musicien français de sa génération. Il donne aujourd’hui un deuxième enregistrement qui s’intitule « Pyrodance » (Jazz Family/Socadisc).

Il y a de si belles choses dans ce disque (allons directement au but: le titre éponyme est, par exemple, c’est loin d’être le seul, une très remarquable réussite) que l’on a tendance à se reprocher de ne s’être pas laissé pleinement emporter par certaines plages ou plus précisément par certaines compositions peut-être, par certains passages seulement assurément.

Fred Perreard est un pianiste tout aussi remarquable que son leader l’est sur son instrument. Baptiste Herbin est un saxophoniste altiste dont la technique est sans faille. A la batterie Thomas Delor ne manque rien et invente une véritable musicalité.
Que tout cela nous enchante à chaque fois ce n’est pourtant pas certain.
Souhaitons à ce groupe de définir peut-être plus précisément sa voie, à choisir de façon plus assurée une direction.
Mais il y a ici déjà bien des bonheurs. Faut-il le redire ?

Yves Rousseau : « Langage Premier »

Ici c’est une sorte de langage premier qui se donne à nous. Ou, plus précisément, c’est ce qui est premier qui se dit en langage. Celui de la musique et celui des mots. Celui que l’on pourrait dire « de la poésie ». A condition d’entendre ce terme en sa plus haute acception. Là, précisément, où les mots et la musique sont pareils. Pour dire ce qui est la source de tout regard, de toute vision, de toute perception, de toute émotion.

Le contrebassiste Yves Rousseau a entrepris avec « Murmures » (Abalone productions/L’autre Distribution) un travail (au sens où ce mot désigne l’œuvre elle-même) dangereux. Où, en tout cas, il y a bien des raisons de ne pas aboutir. Là même où l’on croit que l’on est arrivé, que l’on a atteint la cible alors qu’elle vient tout juste de vous échapper, de glisser entre vos doigts. Parce que ce but est, non pas si lointain qu’on ne puisse l’atteindre qu’au terme d’efforts incessants mais au contraire parce qu’il est si proche que le saisir est difficile, plus délicat qu’il y semble souvent.

Mais voici une musique, un chant, des mots, une sorte de recueil dont il ne suffit pas de dire qu’il est « réussi » – impression ou jugement subjectifs peut-être, insuffisants à coup sûr – mais qu’il est le dire même d’un langage, en quelque sorte la création d’un monde (si toutefois on n’entend pas ce dernier terme comme une conception, mais plutôt comme une sorte de don qui advient pour chacun lorsqu’il est à même d’y pénétrer, ceci que l’on appelle parfois « la beauté ».)

Ce qu’il fallait ici ce sont des poèmes. Yves Rousseau a choisi parmi les plus beaux de notre temps, ceux de François Cheng. Et puis il fallait, de cette poésie, faire non pas autre chose, ni quelque chose de plus. Et là il y avait probablement des milliers de pièges qui surgissaient. La voix d’Anne Le Goff, admirable de précision, de hauteur, d’articulation, la guitare lumineuse de Pierrick Hardy, la très belle clarinette basse de Thomas Savy, les percussions d’une souplesse magique de Keyvan Chemirani, et l’articulation de la contrebasse d’Yves Rousseau sont, une à une, toutes ensemble aussi, les éléments qu’il fallait en quelque sorte associer : ils le sont à la perfection (si ce terme a bien un sens). Pour y parvenir il fallait des compositions qui permettent cette sorte d’alchimie. Celles d’Yves Rousseau sont d’autant plus belles qu’elles semblent avoir toujours existé : en même temps, de la même façon que les textes de François Cheng.

Omri Mor : des éclairs

 La musique du pianiste Omri Mor est scintillante, pleine d’éclairs, de lumières. Souvent là où on ne l’attendrait pas, où l’on peut être enchanté alors qu’il en soit ainsi : la « fusion » qui s’inspire des rythmes, gammes, mélodies, de la musique orientale (des musiques faudrait-il dire) est trop rarement de cette trempe, de cette ouverture, de cette clarté.
C’est donc avec bonheur qu’on se laisse emporter par « It’s About Time ! » (Naïve). Il faut dire que l’on y croise des musiciens de haute valeur : Avishai Cohen (b), Michel Alibo (el b), Karim Ziad (dm), Donald Kontoumanou (dm) et M’aalem Abdelkbir Merchan (voc). Le batteur Karim Ziad a assuré la direction artistique de cet enregistrement, lui donnant une cohérence qui en fait un moment de bonheur simple, éclairant, joyeux souvent.

Les étranges paroles de Wanderlust

Cette formation du nom de Wanderlust est plutôt atypique. Et, si la pochette de ce disque qui ne porte en titre que le nom de l’orchestre semble peut-être nous emporter en Extrême-Orient, on peut dire que la musique, elle, porte bien le nom de la cinquième plage de l’album « Dépaysement ». Mais que d’Orient, il n’y en a pas beaucoup ! On se retrouve plutôt dans des contrées étrangères en ce sens qu’elles sont étranges, inconnues et surtout non-reconnaissables par le voyageur musical le plus averti. (Je sais que l’on pourrait me dire qu’ici ou là se trouvent des influences. Mais alors c’est qu’il y en a tellement que l’on ne sait plus vers laquelle se tourner. Parce que, sans doute, lorsqu’on en repère une on en découvre aussi vite une autre.) C’est donc se perdre un peu, ne pas avoir de points de ralliement, ni de carte et encore moins de GPS esthétique, qu’il faut aimer pour s’engouffrer dans cette musique.

Cette musique c’est celle d’Ellinoa (dont le vrai patronyme est moins « exotique » mais cela n’a évidemment pas d’importance, sauf peut-être celui de prouver qu’avec des choses banales, en tout cas familières, on peut créer des merveilles auxquelles on n’avait pas pensé, auxquelles on ne s’habituera peut-être jamais, même en les poursuivant, en les recherchant chaque jour).
Ellinoa est une chanteuse hors normes. Elle a un talent surprenant, aussi virtuose qu’émouvant. Elle est aussi la remarquable compositrice, l’orchestratrice et l’âme tout à la fois de « Wanderlust », cet enregistrement inattendu, quelque peu déroutant (Les p’tits cailloux du chemin/Music bo publishing/Inouïe distribution). Un album souvent enthousiasmant. Lorsqu’on se laisse envoûter par ses étranges paroles.

Il est juste enfin de citer les musiciens et musiciennes qui participent à ce bel orchestre : Sophie Rodriguez(flûte), Balthazar Naturel (hautbois, cor anglais), Illyes Ferfera (sax alto), Pierre Bernier (sax soprano et ténor), Paco Andreo (trombone), Adélie Carrage (violon), Anne Darrieumeriou (violon), Hermine Péré-Lahaille (alto), Juliette Serrad (violoncelle), Mahtis Pascaud (guitare), Richard Poher (piano), Arthur Henn (contrebasse) et Gabriel Westphal (batterie).

Daniel Erdmann et Christophe Marguet : une tradition enchantée

Il y a bien comme une flamme dans « Three Roads Home » (Das Kapital Records/L’autre distribution) et c’est celle d’une tradition. Et cette flamme qui brûle avec tant de passion est de bout en bout un véritable enchantement.
Précisons en outre d’entrée que si ce disque est celui du saxophoniste Daniel Erdmann et du batteur Christophe Marguet il est tout autant celui des deux contrebassistes associés à cette musique. Henri Texier et Claude Tchamitichian ne se convoquent pas ! C’est eux tout autant que les deux protagonistes en titre qui nous invitent à partager leur musique (leurs musiques ? – mais ceci n’est pas certain : le pluriel ne s’impose pas tant l’unité est manifeste dans les différentes couleurs qui habitent « Three Roads Home ». Même si onze des douze titres ont été écrits soit par le saxophoniste, soit par le batteur – le douzième l’a été par Henri Texier – On notera enfin que l’on a affaire à deux trios ou à un quartet pour quatre morceaux.)

La musique qui nous est littéralement offerte par ces quatre grands musiciens est toujours délicate, vibrante, vivante. Les titres de chaque plage sont choisis sans doute avec la même attention, dans le même but sans doute, non de plaire, mais de susciter l’attention, l’émotion, de provoquer parfois une interrogation. Ce sont par exemple « L’ombre de l’eau », « Manif contre personne », « Valse pour eux », « Forever Ephemere » ou « A Pleasant Serenity ».

On a du mal à se détacher de « Three Roads Home », de ses climats qui enchantent sans jamais forcer le trait, sans chercher à surprendre, à débusquer en s’inscrivant dans l’histoire du jazz contemporain. Sans doute parce que cette musique nous a saisi depuis longtemps déjà.

Sébastien Texier & Christophe Marguet 4tet : sans limites

Christophe Marguet à nouveau ! Cette fois-ci avec le saxophoniste-clarinettiste Sébastien Texier, Manu Codja à la  guitare électrique et François Thuillier au tuba. On a du mal à croire comme il est dit dans une note d’accompagnement de ce disque enregistré sous le beau titre de « For Travellers Only » (Cristal Records/Sony Music) qu’il leur ait fallu vingt-cinq ans pour se rendre compte qu’ils pouvaient jouer ensemble. On aurait plutôt l’impression qu’ils ont toujours fait ça et même que leur musique nous est familière. Il y a en elle de magnifiques éclats, une énergie vivifiante et vitale, toujours éclairante, jamais brutale. Bien sûr l’originalité instrumentale joue son rôle : celle du tuba dont Thuillier est assurément un grand maître, mais aussi celle de Manu Codja dont il faut dire qu’il est l’un des guitaristes actuels les plus originaux, celle de Sébastien Texier qui multiplie les sonorités, les couleurs, comme peu savent le faire et enfin celle de Christophe Marguet qui, ici, semble déployer toute son imagination.
Sans doute ont-ils tous les quatre raison. Raison de nous avertir avec le choix du titre de cet album. Il faut ne pas vouloir de frontières, de limites pour aimer cette musique qui n’a guère de fin. Mais qui se trouve en nous, au fond de nous. Bien plutôt que dans des espaces plus ou moins lointains qui eux, ont tous des bornes.

Rémy Gauche : le dépassement

Le guitariste Rémy Gauche a été parfois comparé à Bill Frisell et Pat Metheny dont il aurait en quelque sorte assuré la synthèse. C’est un débat sans importance mais n’y aurait-il pas aussi dans son jeu, dans sa musique quelque chose de John Abercrombie ?
De toute façon ce qui importe c’est que Rémy Gauche soit lui-même et non pas seulement la suite de quelque chose ou de quelqu’un (ces musiciens cités précédemment ont-ils d’ailleurs besoin de cette « reconnaissance »?).
Avec  « Obscurity Of Life » (Welcome Home/Socadisc) Rémy Gauche a dépassé ces références en étant pleinement lui-même. Il y a ici de très belles choses, toutes très colorées. Parfois inattendues, parfois un peu moins il est vrai. Mais gardons les bonnes surprises pour ce qu’elles sont sans conteste : le résultat d’une belle imagination, de trouvailles mélodiques et orchestrales riches et généreuses.
Autour de Rémy se trouvent ici des compagnons très talentueux : comme d’habitude le contrebassiste Philippe Monge apporte des sonorités et des couleurs envoûtantes et toujours subtiles, Julien Augier à la batterie chante avec agilité, Thomas Koenig est aussi précis et juste à chaque instant au ténor comme à la flûte traversière (ce qui, sur cet instrument, n’est pas gagné d’avance). L’invité de cinq morceaux (sur onze au total) l’excellent Pierre de Bethmann joue ici du piano mais aussi du « rodhes ». Et voici une réussite qui peut nous enchanter « sans jamais forcer le ton ».

Sebastian Studnitzky : le chant de la trompette

Sebastian Studnizky a obtenu un titre de meilleur trompettiste de l’année 2015. KY organic est son nouvel album (Contemplate Music//Einetunes/Cargo). On entend ici une trompette très originale, émouvante souvent, brillante parfois, heureuse souvent.
Mais Studnitzky qui est professeur de trompette à Berlin et à l’Académie de musique Carl Maria von Weber à Dresde joue aussi du piano de très belle manière et, plus encore peut-être, il compose des musiques originales, inventives, pleines de liberté et de clarté. (On notera que l’un des neuf thèmes à été coécrit avec Alisa Bergwerk. Sebastian Studnitzky est accompagné de Laurenz Karsten (g), Paul Kleber (b) et Tim Sharan (dm). Ce quartet est parfaitement équilibré et nous offre un véritable beau moment de respiration musicale, d’ouverture sur le monde et sur nous-mêmes.

Les doux murmures de Tom Bourgeois

Tom Bourgeois est un compositeur belge, saxophoniste et clarinettiste (basse). Il vient de publier son premier double album qui porte le beau titre de « Murmures » (Neuklang/Pias). Son groupe est formé de trois instrumentistes et d’un chanteur Lois Le Van. Aux côtés de Tom Bourgeois on trouve donc deux autres protagonistes, l’accordéoniste Thibault Dille et le guitariste Florent Jeuniaux.

Cet enregistrement est organisé en deux parties: le premier CD est fait de dix compositions du saxophoniste tandis que le second est une sorte de remise en musique (et en partie en paroles) du quatuor pour cordes en fa majeur de Maurice Ravel.

Tout cela est extrêmement travaillé. Chaque « voix » est à sa place à tout moment. C’est dire que l’on entend dans chacun des ces « murmures »une grande application, une précision minutieuse. Mais surtout il y a ici une invention, une originalité, des couleurs propres, des climats sombres ou clairs, souvent estompés, faits davantage de discrétion que de prétention, appelant de la sorte davantage l’auditeur à l’attention et, somme toute, à la participation plutôt qu’à la distraction ou même à la seule spontanéité. Qu’il faille « prêter » l’oreille, donner un part de soi-même pour entrer dans ces univers si étonnants est donc une certitude. C’est ce qui fait la pertinence-même de cet ouvrage à découvrir en s’y adonnant pleinement.

L’adresse de Daniel Karlsson

Il fut le pianiste du groupe Oddjob et celui du batteur (ex E.S.T.) Magnus Öström. Il est Suédois et vit, nous dit-on sur une petite île du nom de Runmarö. Ce qui fait peut-être de Daniel Karlsson un homme rigoureux et d’une grande adresse. Mais, si sa musique est sans aucun doute ordonnée (on n’y entend pas beaucoup d’improvisation…), elle ne s’embarrasse pas davantage de règles qui ne laisseraient pas de place à la joie ou à l’humeur mutine. Il y a ici, sous le titre « Ding Dong » (qui est en lui-même une sorte de programme ludique) (Brus & Knaster/Autre rivage) beaucoup d’enthousiasme, outre le savoir-faire qui anime les trois musiciens (Christian Spering – basse et violoncelle – et Frederik Rundqvist – batterie et percussions – complètent le trio), et aussi beaucoup de clartés, de lumière dans les lignes mélodiques. Au même moment tout cela est mis en place de façon parfaite.

Au demeurant, on peut aussi ressentir parfois comme une limite à s’emporter véritablement et donc à nous entraîner aussi loin que nous aimerions aller… même sans le savoir.

Sébastien Martineau: l’ambition de la musique

« One » est le premier enregistrement du guitariste Simon Martineau (Wee See Music/Absilone). Simon Martineau a l’intelligence de ne pas considérer la guitare comme un instrument qu’il faudrait maltraiter pour être soi-même remarquable. C’est pourtant un instrument qui le fut, maltraité ! Par des compétitions de dextérité qui ont trop souvent remplacé ce que la guitare comporte en elle, au plus profond d’elle, de capacité à s’exprimer simplement, sans excès de telle ou telle sorte, sans bruit et surtout sans précipitation. Simon Martineau nous offre ainsi des sonorités qui surprennent et qui souvent envoûtent.

Il est entouré de trois musiciens: Robin Nicaise (sax) qui est avec Martineau l’autre compositeur des thèmes de ce disque, Blaise Chevallier (b) et Fred Pasqua (dm). C’est peut-être là, que parfois, le bât blesse. Non pas sur la qualité, ni technique, ni sans doute inventive de ceux-ci. Ce qui paraît sur quelques plages faire défaut c’est la place de la guitare. Celle-ci se trouve alors trop près du saxophone (« trop près » ne sera pas ici précisé et il y a bien sûr plusieurs façon de l’entendre…) ce qui implique parfois qu’elle est un peu « au second plan » alors qu’on l’aimerait plus présente, plus « unique » en quelque sorte. Robin Nicaise n’est en rien responsable de cela. Il s’agit peut-être d’orchestration, peut-être d’autre chose. Mais le parti-pris de Simon Martineau mériterait sans doute d’être poussé plus loin, d’être comme radicalisé: la guitare peut être le plus bel instrument mais il faut alors, en toute circonstance, qu’il soit le premier.

Louise Jallu: le jazz et le tango

Il y a ici mille belles choses. N’y cherchons pas le jazz, le swing de Benny Goodman, la trompette de Louis, le saxophone de Bird ou de Coltrane. Mais on le débusquera souvent. Ou même, ici ou là, il nous surprendra. Pourtant, l’important n’est pas là. Sauf à dire que sous le titre générique de « Notes de jazz » on ne doit pas sortir de ce qu’on appelle aujourd’hui sa « zone de confort ».
Louise Jallu est une jeune femme dont l’art est celui du tango et du bandonéon. Mais on trouvera dans l’un et l’autre des deux enregistrements composants « Francesita » (double CD Klarthe/Harmonia Mudi) bien des musiciens qui connaissent le jazz sur le bout des doigts. On y découvrira aussi des tonalités, des inspirations, des « traductions », des couleurs venues du jazz.

Dans le CD enregistré avec son propre groupe, Louise Jallu est entourée du violoniste Mathias Lévy, du pianiste Grégoire Letouvet et de la contrebasse d’Alexandre Perrot. Et aussi de deux invités: le guitariste Claude Barthélémy qui joue ici du oud et de Sanseverino.
Le second CD est enregistré en solo ou bien avec des invités: Katerina Fotinaki (voix), Tomas Gubitsch (guitare électrique), Grégoire Letouvet (piano), Anthony Millet (accordéon), César Stroscio (bandonéon) et Claude Tchamitchian (basse).
Tout cela est plein de merveilleuses nuances, autant d’espoirs que de désespoirs, de joie que de quelques pleurs. Toute la musique de cette double « Francesita » (en hommage à ces femmes « envoyées » en Argentine pour être livrées aux maisons « closes » d’un pays où les mâles étaient alors trop nombreux (mais est-ce là la moindre excuse?), toute cette musique est belle. Très belle.
Signalons en appendice le travail du label Klarthe qui réunit toutes les musiques possibles. Non côte à côte. Mais entre elles.

Anti Rubber brAIN fActOry & Mar0kAït

Avec Yoram Rosilio (b, fl, perc, direction, arrangements), Nicolas Souchal (tp,flute, perc), Jérôme Fouquet (tp, fl, perc), Jean-Brice Godet (cl, fl, perc), jean-Michel COuchet (ss, as, fl, perc), Florent Dupuit (ts,bfl, fl, piccolo, perc), Benoît Guenoun (ts, ss, fl, perc), Paul Warcenier (p, vibraphone, balafon, fl, perc), Rafael Koerner (dm), Eric Dambrin (dm, perc), François Mellan (soubasophone, fl, perc) – Label LFDS

On pourrait s’attendre « à tout », à des choses débridées, surprenantes, choquantes, étouffantes, folles, extrêmes. Il faut qu’un tel nom d’orchestre (ARBF – pour faire simple) et l’énigmatique MarOkAït (pour respecter là aussi la graphie) suffirait à effrayer un peu l’auditeur non averti et qui ne serait pas à la recherche de la liberté la plus absolue, celle dont on se demande parfois et à juste titre si elle est bien aussi « libre » qu’elle l’ose et le prétend.
Mais ce n’est pas tout à fait de cela dont il s’agit. Car, en réalité, on pourrait dire qu’il y a ici beaucoup de sagesse. Il y a certes quelques folies, quelques débordements et même des débordements qui débordent (on peut le dire ainsi ?). Mais enfin, on en a entendu – et aimé, beaucoup aimé – bien d’autres. Le « free jazz » étant passé par là depuis longtemps. Mais ceux-ci sont si bien faits, si maîtrisés, si pertinents, que cette musique, oui, est finalement « sage ». Et que c’est pour cela qu’elle est belle et souvent fascinante. Il suffit de citer Yoram Rosilio pour le dire encore mieux : « Tous les meilleurs ingrédients de la transe sont là. C’est un travail permanent d’équilibre et de liberté entre maîtrise du groove et provocation du chaos. »

Et, oui, il y a ici du déséquilibre qui se respecte, qui se retient : jamais personne ne chute et le danger est ce qu’il y a de plus sidérant, de plus beau.

Pour être plus précis on dira que l’inspiration de ces six plages musicales est venue en partie – comme le titre l’indique à sa manière – du Maroc. Le Marokaït étant pour sa part « un idiome vernaculaire de la population juive de cette partie du Maghreb » et c’est au travers des dialectes de plusieurs régions du pays et des musiques que l’on y pratique, dans leur diversité aussi, que Yoram Rosilio et ses très talentueux compagnons sont allés chercher leurs sources. Pour nous les faire partager avec beaucoup de talent et de joie à partager.

Romain Baret « Naissance de l’horizon »

Avec Romain Baret (g), Michel Molines (b), Sébastien Meca (dm), Eric Prost (ts) et Florent Briqué (tp, bugle) – Label Pince-Oreilles / Inouïe distribution.

Il y a de bons moments et puis il y en a de moins heureux. C’est un peu ce qui passe avec ce disque de Romain Baret. Voici un guitariste extrêmement talentueux, au son magnifique. Mais voici une musique qui ne nous apprend pas grand chose. Comme si nous l’avions déjà entendue. Notons que je dis « nous » mais que je devrais dire « je »: il ne s’agit peut-être que d’une impression personnelle. Il reste toujours à chacun la possibilité de se faire son « opinion » (s’agissant de musique, c’est sans doute le terme le plus mal choisi qui soit), ou mieux de ressentir avec émotion, passion, intérêt, de quelque sorte que ce soit cette « Naissance de l’horizon », un très beau titre au demeurant.

Manu Carré Electric Five « Labyrinthe »

Avec Manu Carré (sax, compositions), Aurélien Miguel (g, compositions), Nicolas Luchi (b), Florian Verdier (claviers), Félix Joveniaux (dm) – Label ACM /  Socadisc

Fatalité sans doute. C’est un peu la même chose ici que précédemment. Sans doute un peu plus de vitalité. Mais rien de neuf sous le soleil. On me dira à juste titre qu’il n’est pas besoin de faire du nouveau pour être intéressant. Et cela est parfaitement vrai. Mais lorsque l’on compose, on invente et, si l’on invente, ou bien ça ne ressemble à rien (ce qui n’est pas le cas ni ici ni chez Romain Baret, je m’empresse de le dire) ou bien souvent (et alors c’est malheureusement et du même coup trop souvent) sans suffisamment d’intérêt pour que l’on puisse se dire quelque chose comme ça : oui, c’est bien, mais bon… finalement il n’y a pas vraiment d’originalité, pas vraiment de style, pas assez d’émotion.

Ici, l’on trouve d’excellents instrumentistes (avec une mention spéciale pour Aurélien Miguel), une composition pertinemment assez extravagante comme « Le chat feule »., mais au total on aimerait être plus dérangé ou bien plus envoûté.

Yaël Angel « Bop Writer »

Avec Yaël Angel (vocal), Olivier Hutman (p), Yoni Zelnik (b), Tony Rabeson (dm) – Label Pannonica / In Ouïe

Sans doute ici n’y a-t-il pas de miracle. Mais néanmoins un très bel album à partir d’un « projet » assez audacieux, celui de mettre en paroles et en voix donc des musiques comme « So What » (Miles Davis), « Round Midnight » (ce n’est pas une première) mais aussi quelques autres thèmes de Monk (« Rhythm-A-Ning », « In Walked Bud »), de Mingus (« Goodbye Pork Pie Hat ») et, plus surprenant d’Ornette Coleman (« Lonely Woman »), de Steve Swallow (« Falling Grace ») et plus encore Wayne Shorter (« Teru », « Infant Eyes »).

Voici un pari qui n’était sans doute pas gagné d’avance. D’autres s’y seraient sans doute égarés. Yaël Angel, de sa belle voix grave, ses compagnons expérimentés et talentueux, offrent une nouvelle écoute, de nouvelles lumières, de superbes couleurs à ces thèmes qui nous sont pour la plupart familiers. Et qui, ici, trouvent une sorte de nouvelle vie sans rien effacer de ce qu’ils sont dans leurs versions originales, cela va de soi.

Il est ainsi des chemins que l’on imaginait pas et qu’il toujours agréable de parcourir pour trouver de nouvelles sensations dans des lieux familiers.

L’année du jazz fut belle. Je veux dire celle qui est en train de s’estomper. Celle à venir le sera sans doute aussi.
Parce que la musique est la meilleure chose qui puisse arriver.

Cet article clôt en quelque sorte un peu en avance 2017 et ouvre (avec encore plus de précipitation) 2018.

Il est vrai que ceci n’a guère de sens: on ne décompte pas dans le monde de la musique (sinon les temps et pas le temps, le tempo certainement), on ne calcule pas vraiment non plus. Enfin, on ne mathématise pas ou alors c’est pour plus de poésie, plus de rêve.

Alors, aujourd’hui, cela commence bien.
Avec René Urtreger et l’écrivain (faut-il écrire « écrivaine » ? pour quelle raison !) Agnès Desarthe qui chante, qui « dit » et qui surtout nous émeut si souvent.
Dans ce « Premier rendez-Vous » (Naïve) qui vient de paraître et où se rencontrent aussi Géraldine Laurent (sax), Alexis Lograda (violon), Pierre Boussaguet (b) et Simon Goubert (batterie) est un beau moment de délicatesse. Et aussi d’hésitation (juste ce qu’il faut pour faire de la musique un risque, un instant de vie, entre deux rivages, entre l’émotion et le désir).

agnès desarthe

Agnès Desarthe que l’on connaît pour ses belles traductions, ses livres magiques pour les enfants, et pour les « autres » comme  « Dans la nuit brune » ou « Le coeur changeant » pour ne parler que des derniers parus, n’est pas une « grande voix ». Mais nous n’avons pas besoin de cela pour l’écouter. Pour se laisser emporter. Ce qui émeut, ce qui nous touche, nous fait vibrer, c’est autre chose: c’est ce qui, assurément l’habite. Et ce sont des peurs, des douceurs, des craintes et des bonheurs, des tristesses ou des peines, des joies et des envies. Jamais des certitudes.

Mais toujours des partages. Avec les musiciens. Avec le piano, toujours admirable de René Urtreger auquel Agnès Desarthe avait consacré un livre intitulé « Le roi René » (éditions Odile Jacob), avec toute « la bande », excellente en tout point (chacun est en partage avec l’autre, avec tous les autres).

C’est une fort belle rencontre aussi que celle de Gilles Dalbis (batterie, percussions) et de Pierre Diaz (saxophone ténor, soprano et clarinette basse). Elle ne date pas d’hier. Mais elle est toujours nouvelle, toujours revivifiée.

Pierre Diaz

Ces deux là se connaissent depuis quelques lustres mais ils demeurent des inventeurs. Pour toujours, assurément.
Cependant, ils sont laconiques. Ils parlent peu. Ils ne se taisent pas. Mais ne disent que l’essentiel. Non pas comme des vérités tombées du ciel, pas comme des certitudes. Plutôt comme des propositions, des partages (eux aussi, qui s’écoutent sans fin, pour que nous les écoutions aussi, davantage et le mieux possible).

Gilles Dalbis

Aussi cet enregistrement n’a pour titre que « Pièces pour Duo » (DalbisDiza02/1 distribution Mazeto Square Paris). Et les pièces n’ont pas de titre: elles sont seulement désignées par les instruments (par exemple, « saxophone ténor – batterie baguettes » ou bien « clarinette basse – batterie baguettes »). Rien d’autre que la musique donc, pour susciter l’émotion, l’imagination. Pour emporter. Ou pour rester au bord du chemin. Mais ce serait bien étonnant. Ce serait rester sourd. Ce serait bien dommage de ne pas suivre ce duo sur sa route. On y claudique, on y court, on se hâte. On prend son temps, on perd du temps – juste comme il faut – pour respirer, pour souffler, pour reprendre du rythme.
Que demander de plus à la musique? A la vie comme elle va, comme elle est ?

Le pianiste Hervé Sellin vient de publier deux enregistrements simultanément.
L’un avec Pierrick Pedron (a sax), Thomas Bramerie (b) et Philippe Soirat (dm) est un hommage très singulier à Phil Woods.

L’autre est à la fois une sorte de référence à la musique classique et à la musique contemporaine avec une pianiste (voici donc la rencontre de deux pianos), Fanny Azzuro, venue de cet univers ainsi que trois très jeunes musiciens (ils ont vingt ans, vingt-un tout au plus). Ils ont noms Rémi Fox (s saxo), Emmanuel Foster (b) et Kevin Lucchetti (dm).

« Always Too Soon » (Cristal Records) mêle des compositions originales d’Hervé Sellin, Carine Bonnefoy, Pierrick Pédron avec des thèmes de Lennie Tristano, Tomm Harrell, Joe Emley ou encore en conclusion « Autumn In New York » de Vernon Duke. Tout ceci autour d’une séquence plus longue consacrée à la musique de Thelonious Monk. On y trouvera donc pas celle de Phil Woods à qui le disque est dédié. Ce parti pris est sans doute plus intéressant en ce sens que c’est par delà les thèmes que Phil Woods est revisité et donc, nécessairement, de la façon la plus approfondie qui soit.

Pierrick Pédron

Hervé Sellin qui fut pendant quinze ans le pianiste attitré de Johnny Griffin, qui a rencontré et joué avec Phil Woods « sur le tard » (en 2010 et 2011 – le saxophoniste est décédé en 2015) s’y montre sous toute sa force. Et sa force est celle à la fois de l’intelligence et du cœur. De l’attention aussi. Méticuleuse et aussi toute vivifiante. Pierrick Pédron, comme à son « habitude » s’envole avec une aisance qui emporte. Quant à Bramerie et Soirat, ils sont comme toujours impeccables.

Thomas Bramerie

« Always Too Soon » est ainsi un disque de haute valeur.

L’univers du jazz et celui de la musique « classique » (ici ce serait plutôt « romantique ») ou de la musique contemporaine semblent tous les trois a priori étrangers. Mais on sait vite qu’ils ne le sont guère. Et même qu’au contraire ils sont plutôt à rapprocher, à comprendre, aimer donc, comme des frères (ou des sœurs) si cette comparaison familiale a un sens. C’est ce qu’Hervé Sellin a fait tout au long de sa carrière. Et ici, avec « Passerelles » (Cristal Records) il atteint une sorte de sommet en la matière.

Fanny Azzuro

Cela commence par une longue et fort belle séquence d’après les « Scènes d’enfants » de Robert Schumann. Où les pianos sont admirablement présents. Où le saxophone de Rémy Fox se taille lui aussi une très belle part. Où Emmanuel Forster et Kevin Lucchetti sont aussi parfaits que leurs aînés dans le précédent enregistrement. la musique de Schumann rejoint celle de Satie, Debussy ou Dutilleux qui constituent en quelque sorte la seconde partie de « Passerelles ».
Cet enregistrement nous montre à la perfection, l’indifférence, la non-différence des musiques. Qui ne sont qu’une si l’on veut  bien y prendre garde. Un seul instant.

On pourrait jouer à un jeu « stupide ». On pourrait se demander quelle est la source de « Source »… On se dirait alors que c’est l’amitié. L’amitié et la jeunesse. Cette amitié qui ose mais qui ne trépigne pas. Qui ne s’impatiente pas. Qui est déjà réfléchie car c’est une amitié de longue date. Un amitié qui ose, qui invente. Qui a besoin de cela pour être, pour vivre, pour durer, pour s’amplifier. Pour exister.
C’est ainsi qu’est la musique de Paul Brousseau (piano) et de Matthieu Metzger (saxophones sopranino, soprano, alto, ténor en ut): celle d’une rencontre entre deux hommes, entre deux musiciens, entre deux libertés. Entre deux aventures, pourrait-on dire. Entre deux recherches comme entre deux destins.

Paul Brousseau

Tôt ils se sont rencontrés, sont allés au Conservatoire ensemble. Marc Ducret les vit tous les deux: ils jouèrent ensemble. Et puis Sclavis aussi fut un point commun. Et d’autres sans doute. Sans aucun doute. Mais leur véritable communauté c’est le duo qu’ils forment. Là où ils sont indissociables, inséparables.
Comme leur musique qui ne se sépare de rien, qui ne nous met à distance de rien, qui, au contraire nous rapproche. De nous-même, finalement. Une musique qui peut faire peur à certains peut-être. Comme on a peur de soi. Mais ce n’est ni un défaut, ni une honte. Là naît la timidité. Qui est plutôt une qualité. Celle de la modestie. Et il y en a aussi dans cette « Source ». Ce qui est bien. L’audace est plus haute lorsqu’elle ne fanfaronne pas.

Matthieu Metzger

C’est ainsi que cette « Source » donc, nous réunit nous aussi.

PS: on doit souligner le très beau design graphique de ce CD. La photographie de couverture en particulier, signée Samuel Choisy. Mais tout l’ensemble aussi.

Des musiciens pour qui la liberté est essentielle. Dans leur musique. Mais aussi bien sûr dans la vie. Et donc dans la réalité quotidienne: celle qui consiste à jouer, à « donner » leurs créations, à les produire, à les diffuser.
Ou: comment une bande d’amis décide de s’organiser et comment un label voit le jour.
Et puis… la suite.
Et toujours de belles musiques.

Rencontre donc:

quelles sont donc les circonstances de la création du label ?

Aujourd’hui, les musiciens sont amenés à assurer à la fois les rôles de tourneur, diffuseur, financeur, producteur, communiquant, comptable… en plus d’être souvent professeur pour arrondir les fins de mois.

Le label LFDS (Le Fondeur de Sons Records) est né en 2016 avec la sortie du disque de Yoram Rosilio « ARBF & Hmadcha -live 2014- Serious Stuff & Lots of Lightness » (https://lefondeurdeson.bandcamp.com/album/anti-rubber-brain-fact0ry-hmadcha-serious-stuff-lots-of-lightness) et est relié aux activités de l’association Le Fondeur de Son, fondée en 2012 par quelques musiciens parisiens et leurs amis pour organiser et structurer des projets artistiques lourds qui nécessitaient un soutien administratif.

A la base, en remontant quelques années en arrière (2007-2008), nous n’étions même pas un collectif, mais juste une nébuleuse de potes qui jouaient, expérimentaient et créaient ensemble. Nous refusions alors toute subvention et revendiquions une indépendance totale. C’est dans cette atmosphère et cette émulation que nous avons exploré musicalement et humainement des identités collectives et individuelles.

La première tentative pour fonder un label – avec Yoram Rosilio, Yann Pitard, Benoit Guénoun, Maki Nakano et quelques autres – est née de ce désir là : affirmer nos musiques et la manière dont nous les concevons, et bousculer le monde de la production, qui nous paraissait froid, austère et inadapté à nos problématiques de musiques d’essence « non-commerciales ».

C’était en 2009 mais la tâche s’est avérée complexe car le cadre juridique et administratif était un véritable calvaire. Finalement, nos efforts se sont épuisés face à l’ampleur de la tâche. Maki Nakano a  fondé de son côté le label « open music » (http://openmusic.kyweb.fr/openmusic.jp.net/records.html) ; d’autre part, Yoram Rosilio a continué à auto-produire ses disques.

C’est un peu plus tard que nos activités artistiques nous ont amenés au pied du mur.

Yoram Rosilio avait, depuis 2010, commencé à travailler avec des musiciens marocains et à créer des rencontres avec l’orchestre ARBF au Maroc. Lorsque nous avons voulu les faire venir en France pour nous produire à leurs côtés, il nous a fallu fournir beaucoup de justificatifs à l’administration (contrats de travail, assurances, visas…) pour qu’ils obtiennent la permission de fouler le sol européen. C’est de cette nécessité qu’est née l’association Le Fondeur de Son, sur l’initiative de Yoram Rosilio, Benoit Guenoun et Colline Henry, dont l’expertise nous a été d’un énorme soutien dans l’élaboration de ce projet. Nous avons pris conscience à ce moment qu’en tant que musiciens, nous n’étions pas du tout formés pour affronter la rigueur des procédures administratives.

Le nom du Fondeur de Son a été trouvé par Benoit Guenoun et Bérénice Rossier (actuelle Présidente) en référence à « DER ZIEGELBRENNER » (Le Fondeur de briques), périodique allemand dirigé par Ret Marut (par la suite devenu B. Traven) écrivain et révolutionnaire Allemand exilé au Mexique et dont l’œuvre littéraire et l’histoire personnelle nous plaisaient énormément.

Dans un premier temps, l’association nous a donc surtout servi d’organe de production et de diffusion : une structure administrative qui assume un rôle de représentation pour l’obtention de résidences artistiques, de tournées…

LFDS records (le Label) est la suite des mésaventures de l’album ARBF & Hmadcha 2014 évoqué plus haut. Cet album, enregistré en live en octobre 2014, était mixé et masterisé dès mars 2015. Deux producteurs, l’un anglais, l’autre français, nous avaient offert une place sur leur label respectif pour prendre en charge la production de ce disque. Ils se sont tous deux désistés coup sur coup au dernier moment. Lassé de ces promesses en l’air et passablement déprimés, nous nous sommes rendu compte qu’il fallait à nouveau créer notre propre outil de production efficace et indépendant.

L’association avait déjà apporté un premier soutien financier à la production des disques ARBF& Hmadcha – Dhol Le Guedra (https://lefondeurdeson.bandcamp.com/album/anti-rubber-brain-fact0ry-dh-l-le-guedra ) et Tikkun (https://lefondeurdeson.bandcamp.com/album/tikkun-the-24-doors ).

Début 2015, Pierre Tenne et Paul Wacrenier ont intégré l’association et suite à nos discussions nous avons décidé de lancer notre propre label sur le modèle associatif (forme juridique plus simple et plus légère) via le Fondeur de Son.

En explicitant tout cela, nous espérons aussi que cela aidera ceux qui veulent se lancer dans une démarche artistique autonome à franchir le pas. Nous croyons que malgré la frilosité et les cloisons du monde de la production musicale, une énergie collective structurée peut permettre à des musiques de se faire entendre !

quel but poursuivez-vous aujourd’hui ?

Il est évident que l’autonomie implique une nouvelle forme de responsabilité. Ne pas dépendre d’un producteur engage notre capacité à financer des productions.

Comme la plupart des petits labels autogérés, nous ne cherchons pas prioritairement à faire du profit mais tout simplement à produire nos disques en rentrant autant que possible dans nos frais.

Nous sommes convaincus de la nécessité de ces musiques et qu’il faut que celles-ci aient la possibilité de se répandre et de rencontrer le public.

Nous vivons dans une époque où les discours dominants semblent déconnectés de la réflexion et de l’intelligence, le monde du spectaculaire –gros festivals et entreprises mercantiles du spectacle qui pillent les subventions- est essentiellement médiocre, normatif, uniformisant et joue le nivellement par le bas. Il nous semble donc important de valoriser des créations de saines complexités tout en se situant éthiquement en dehors d’un rapport exclusivement ou essentiellement marchand avec la musique et l’Art en général, mais qui se fait un point d’honneur à maintenir l’intégrité des artistes.

quel est ou quels sont les partis-pris artistiques qui vous guident?

Dans nos pratiques artistiques, nous cherchons de justes équilibres entre l’écriture et l’improvisation, entre la part belle de l’héritage musical laissée par les anciens et les expérimentations. Se transformer en label, c’était se fabriquer un porte-voix pour un groupe de gens concernés par les mêmes réflexions et pratiques artistiques.

Notre musique n’est pas forcément facile d’accès pour des oreilles novices. Mais nous n’allons pas pour autant cesser de la jouer, car nous croyons en elle et en son apport bénéfique pour ceux qui la reçoivent. Pour nous, le free et l’impro, ce n’est pas seulement une question d’esthétique musicale qui peut parfois paraître violente, voire inaudible pour certains. Notre approche du free, pensée ou impensée par chacun des membres qui compose le collectif, c’est de créer une musique qui participe à faire sortir des constructions sociales pour agir sur le terrain de l’émancipation de ceux qui nous écoutent.

Petits ou grands ensembles, impro totale ou répertoires de compositions personnelles, emprunts aux musiques traditionnelles ou contemporaines… tous cela se mélange dans notre grande marmite avec un fond plutôt Jazz. Voici en gros les ingrédients qui composent notre univers.

Par ailleurs, tous les disques que nous avons sortis jusqu’à présent ont étés enregistrés en « live » (ou en situation de…), nous avons très souvent travaillé avec notre ingénieur du son Ananda Cherer, y compris pour le mixage et le mastering, ce qui participe à donner une certaine empreinte sonore à nos productions.

comment les artistes ont-ils été choisis ou comment les artistes ont-ils fondé le label et pourquoi?

Les artistes figurant sur les productions LFDS Records :

Benjamin Abitan, Simo Akharraz, Nicolas Arnould, Guillaume Arbonville, Thomas ballarini, Mauro Basilio, Ayoub Baz, Najem Belkedim, Abdelmalek Benhamou, Redouane Bernaz, Stephan Caracci, Marielle Chatain, Guillaume Christophel, Jean-Michel Couchet, Andrew Crocker, Eric Dambrin, Florent Dupuit, Zad Dupuit, Abdelkader “Ben Brik” Ed-Dibi, Rachid El Ayoubi, Moulay Idriss El Idrissi, Jérôme Fouquet, Elisabeth Gilly, Jean-Brice Godet, Benoit Guenoun, Karsten Hopchatel,  Philippe Istria, Naissam Jalal, Rafael Koerner, Julien Matrot, Fred Maurin, Amina Mezaache , François Mellan, Hassan Nadhamou, Maki Nakano, Abderrahmane Nemini, Brenda Ohana, Jean-François Petitjean, Yann Pittard, Yoram Rosilio, Makoto Sato, Jean Philippe Saulou, Salah Saya, Or Solomon, Julien Soro, Hugues Vincent, Paul Wacrenier, Gaston Zirko.

 « Mona » par Elodie Pasquier, le « trouble » de la musique

Il n’est pas si facile de parler de la musique du très beau disque d’Elodie Pasquier qui porte le titre de « Mona » et qui est sorti il y a quelques semaines sur le Label Laborie (avec, il faut le souligner une superbe présentation du CD due au photographe Jean-Baptiste Millot, aux illustrations remarquables de Juliette Zanon et au design de Martial Muller). Ce n’est pas si aisé, parce que la constance du trouble tout au long de cet enregistrement est si intense que cette musique, comme par surprise, s’imprègne aussitôt en vous.

La déroute est probablement le chemin d’Elodie Pasquier et comme celui-ci est sans aucun doute le meilleur que le jazz ou que la musique tout entière puisse nous donner, alors nous ne pouvons que l’emprunter, nous laisser prendre par ce mouvement incessant, parfois violent, parfois infiniment plus docile. Et surtout on ne peut s’empêcher d’être pris de « désir », épris du flot de la musique, de la clarinette d’Elodie Pasquier, des rythmes et des mélodies dont ses compagnons sont tous de magnifiques guides. On ne peut rien distinguer d’eux ou plutôt on ne peut rien en dire et surtout pas que l’un serait plus ceci et l’autre plus cela. « Mona » est un groupe et il est cela avant d’être un rassemblement de personnalités pour une occasion plus ou moins exceptionnelle.

Hilmar Jensson joue de la guitare, Fred Roudet de la trompette et du bugle, Teun Verbruggen de la batterie, des percussions et d’ « effets » et Romain Dugelay du saxophone baryton ou ténor.

« Mona » c’est comme le meilleur d’une musique libre, totalement libre et audacieuse, une musique libératrice, heureuse, joyeuse, généreuse. Pas si aisée cependant, souvent débordante : mais n’est-ce pas ainsi que l’on se devrait d’aimer, d’aimer la musique ? Sans retenue.

Le désordre apparent d’Alice’s Mirror Quartet

Y a-t-il plus fertile équilibre, harmonie plus subtile et plus équilibrée que celle du désordre, celle qui renverse l’ordre pour créer un monde qui a son organisation propre ? Le Mirror Quartet du saxophoniste ténor Florent Dupuit (membre de Ping Machine) illustre da façon aigüe, comme une inébranlable fragilité que c’est bien dans le renversement, néanmoins inventif, sans ordonnancement mais sans chaos absurde que l’on peut dire des musiques qui vous emmènent loin. Loin, de l’autre côté du miroir. Qui ont d’étranges pouvoir comme celui sans doute de laisser venir à vous les régions lointaines de votre être. Lointaines sans doute, mais peut-être si proches, les premières.
Il serait ainsi absurde de vouloir décrire avec des mots, avec des phrases faites de mots, de syntaxe et de grammaire, la musique d’ « Apparent Disorder » (Le fondeur de son records). Chacun ne peut la recevoir, l’entendre, qu’au travers de sa plus intime subjectivité. Mais se plonger, se laisser emporter par elle est une expérience que l’on n’oublie plus.

(Outre Florent Dupuit qui signe toutes les compositions (sauf l’une d’entre elles intitulé « Il teatrino delle suore » de Nino Rota) les trois autres membres du quartet son Zad Dupuit (piano), Yoram Rosilio (contrebasse) et Philippe Istria (batterie).

Les chants rêvés de la mer de Bruno Tocanne

Le texte de présentation de cet enregistrement qui fait d’entrée référence à la source de cette musique, à savoir la chanson de Robert Wyatt « Sea Song », nous dit que cette dernière est « obsédante, sensuelle et cauchemardesque à la fois. » Ceci n’est pas faux et ces qualificatifs pourraient s’appliquer à ce « Sea Song(e)s » du batteur Bruno Tocanne (Cristal Records). Evidemment « cauchemardesque » n’est pas forcément le terme le plus « sympathique » qu’on le veuille ou non. Il faut donc dire d’entrée qu’il ne reflète que très partiellement le climat de tel ou tel thème de ce disque. On devrait plutôt (car il me semble plus justement – en tout cas pour ce qu’il en est du quartet de Bruno Tocanne – que pourrait convenir quelque chose comme un « sombre onirisme » qui, somme toute, n’est pas tout à fait un cauchemar.

Et oui, il y a ici de l’obsession – chez les musiciens mais aussi chez l’auditeur qui est souvent comme hypnotisé – et de la sensualité à tout instant.
Sophia Domancich (piano) et Rémy Gaudillat (trompette, bugle) sont au cœur de Sea Song(e)s, ils en sont l’âme battante. Tandis que Bruno Tocanne en est comme l’ordonnateur discret.
Pour ce qui me concerne (d’autres peuvent évidemment être d’un avis tout différent) je trouve que cette musique aurait sans doute mérité d’être seule, dégagée le plus souvent de tout texte, hésitant ici entre l’à peine chanté (« Nuits des armées ») et la gorge déployée (« I Danced »). Sans que tout cela apporte davantage. Au risque de perdre parfois quelque chose malgré le talent incontestable d’Antoine Läng (voix, effets, claviers). Il est toujours difficile et donc hasardeux d’associer musique et texte (l’équilibre est en lui-même un péril). Sauf dans la chanson. Et c’est ainsi que se termine l’enregistrement : par une reprise du « Sea Song » de Robert Wyatt. Comme un retour à l’origine.

Les autres univers : M&T@L « Hurlant »

Le trio Maxime Zampieri (batterie), Thomas Puybasset (saxophone) et Laurent David (basse) qui porte le nom étrange de M&T@L revient pour son deuxième enregistrement sous le titre de « Hurlant ». On appréciera évidemment la référence. Mais ceci pourrait bien n’être qu’une sorte de jeu.

Comme pourrait l’être cet album lui-même. Mais, disons-le d’entrée, la musique de « Hurlant » est toute réussie, faite de multiples couleurs, d’inventions maîtrisées et heureuses, enthousiasmantes.

Il faut cependant dire que « Hurlant » est inspiré des fanzines Metal Hurlant qui mêlait la bande dessinée avec le rock progressif et d’autres formes artistiques. Le CD (Label Alter Nativ/ UVM) a été composé et enregistré en une semaine au studio de la Maison des artistes de Chamonix en collaboration avec Fanny Coulm qui créait en même temps sa propre chorégraphie en interaction constante avec la musique en train de se faire, en train de surgir. (photo Raphaël Brigliadori).

fanny coulm

C’est certainement ainsi qu’il faut écouter ce disque : en imaginant la danse faute de l’avoir sous le regard.
Il nous est dit ici que la danse est, non pas ce qui accompagne la musique, la musique ce qui ferait la danse, mais que la danse et la musique sont tout un, qu’elles sont la même chose, le même art, faites de la même vie, la vie elle-même.
Dans les mondes étranges de M&T@L que cela hurle ou non, il y a l’air de la danse. Même les titres de chaque pièce sont des mots qui dansent, qui perdent l’équilibre et le regagnent sans cesse. Comme « Arzach et son ptéroïde », « Codex seraphinianus », « Un léopard ne peut pas changer ses taches » ou encore précisément, « Univers parallèles ». C’est ainsi, en dansant, que M&T@L nous emmène dans d’autres mondes. De nouveaux mondes.

Round Trip Trio & Jason Palmer : une fragile perfection

Le trio formé par le pianiste Bruno Angelini, le bassiste Mauro Gargano et le batteur Julien Augier – autrement dit le « Round Trip Trio – a invité le trompettiste Jason Palmer pour créer la musique ici enregistrée sous le titre « Travelling High » (Fresh Sound Records).

C’est le début d’une aventure en plusieurs étapes puisque le trio a décidé d’inviter pour chacun de leurs projets à venir un musicien américain, idée imaginée par Julien Augier qui a passé douze années aux Etats-Unis dont la moitié à New York.
Jason Palmer qui inaugure donc ce voyage éclaire magnifiquement cette première étape. Il a joué avec Roy Haynes, Herbie Hancock, Wynton Marsalis, Lee Konitz, Greg Osby, et il est actuellement le trompettiste attitré de Ravi Coltrane et de Mark Turner. Le son, le phrasé, les rythmes sont toujours très beaux, superbement servis par Jason Palmer et l’ensemble du groupe est d’un équilibre parfait. Cette « perfection » n’est possible ici – ce qui n’est pas un paradoxe – que dans la mesure où, parfois, elle semble sur le point d’être perdue, abandonnée, on ne sait trop pourquoi. Ni comment non plus. Mais ce qui saisit c’est précisément cela : une sorte de fragilité et d’assurance mêlées. Là se trouve l’alchimie de ce groupe sans doute malheureusement éphémère.

* Giulia Valle à Perpignan (festival Jazzèbre) après Barcelone, Paris, New York, San Francisco, Vancouver, Montréal …

La contrebassiste et compositrice Giulia Valle, d’origine italienne mais résidant à Barcelone depuis qu’elle a cinq ans, Catalane donc, après ses succès internationaux nous offre aujourd’hui son quatrième enregistrement « Giulia Valle trio Live In San Francisco » (Discmedi). Elle est magnifiquement entourée du pianiste Marco Mezquida et du batteur David Xirgu.

Voici un enregistrement qui se distingue par une musicalité scintillante, par le jeu envoûtant d’une jeune femme et de ses deux compagnons, emprunt de mille émotions en partage.

C’est donc avec passion l’on aimera entendre Giulia Valle au festival Jazzèbre dans quelques jours à Perpignan. On en profite pour signaler tout l’intérêt de cette manifestation qui en est à sa 29° édition et qui brille par l’inventivité de sa programmation. Bien plus passionnante que nombre d’autres festivals qui, pourtant « font la une ».
Elle est ici – on pourra en juger :

http://www.jazzebre.com/le-festival/festival-jazzebre-2017/

* Christian Brun, les clartés mélodieuses.

C’était, il est vrai avant la rentrée, encore au printemps que le guitariste Christian Brun a enregistré « Melodicity » (We See Music Records) qui sortira le 6 octobre. Et cet enregistrement n’est fait que de ça : de musiques pleines de lumières, de soleils qui se lèvent, de clartés nouvelles. Même « For Those Who Stayed On The Ground » dédiée aux victimes du terrorisme est une musique où il y a sans doute plus d’espoir que de larmes. Même les titres des compositions semblent vouloir affirmer un « Temps calme » ou une bouffée d’air frais salvatrice (« A Breath Of Fresh Air »). Damien Argenteri (Fender Rhodes piano), Yoni Zelnik (Upright bass) et Manu Franchi (drums) accompagnent avec bonheur la guitare de Christian Brun.

* Jason Miles : dix fois « Blue Is Paris »

Le claviériste Jason Miles qui commença par être le programmateur des synthétiseurs de Miles Davis dans les années 80 (pour « Tutu » ou « Amandla ») a travaillé sur plus de 130 albums. Avec Miles donc, et aussi avec Marcus Miller, Whitney Houston, Michael Jackson, David Sanborn, Grover Washington et bien d’autres. Il a publié (c’était aussi au milieu du printemps) « Kind Of New 2 – Blue Is Paris » (Label Lightyear).

Jason Miles a composé « Blue In Paris » destiné initialement à un projet intitulé alors « Kind Of Blue 2 ». Ce thème a été inspiré par les attentats parisiens de 2015 quand le musicien faisait la promotion de son disque intitulé « Kind Of Blue » enregistré avec la trompettiste Ingrid Jensen. Et puis, il a eu cette idée de faire jouer « Blue Is Paris » dix fois par des musiciens différents qui en feraient donc des interprétations toutes différentes. On retrouve  ici quatre trompettistes, Russell Gunn, Theo Croker, Patches Stewart et Jukka Escola, et puis aussi (on ne citera pas tout le monde) Maya Azucena (voix), Gene Lake (voix), Reggie Washington (basse), Jay Rodriguez (tenor sax et clarinette basse) …

Il est impossible d’écouter ce disque comme s’il était une sorte d’expérience hors norme. C’est peut-être cependant en raison même de ce parti-pris qu’il est fascinant et comme hypnotique il est vrai. Mais c’est ce qui permet à chacun d’entre nous de plonger en soi et de trouver avec cette musique quelques paysages que nous ignorions encore, quelques émotions nouvelles. A partager.

* Les aventures africaines de Supergombo

Si « faire voyager tout un chacun et faire danser les foules » est le but principal du groupe Supergombo créé par le bassiste Etienne Kermarc, nul ne peut douter que son ambition soit atteinte avec « Explorations » (Z Production/InOuïe distribution). Delà à ce que cela nous enchante absolument sur le plan de la création musicale il y a cependant un pas. Tout cela est vivant et même souvent vivifiant. Tout cela est entraînant, emportant. Mais pas très important sur le plan musical. Même si cette musique est fort bien bâtie, techniquement irréprochable, il semble qu’elle ne soit pas d’une créativité absolue. Il est vrai qu’il faut de belles et bonnes musiques pour tous les instants de la vie et que celle-ci est plutôt pour « la fête » que pour l’écoute et pour l’invention.
Les sources  de ce disque sont africaines, et plus rarement extrême-orientales et elles s’expriment à foison. Ce qui est fort bien. Mais on ne peut attendre d’  « Explorations » que ce qu’est cette musique, une musique pour le bonheur et le plaisir d’un instant. Il est vrai que nous avons tous besoin de ça à un moment ou un autre. On le trouvera assurément avec Supergombo. Avec, outre Etienne Kermarc, Riad Klai (g), David Doris (perc), Aurélien Joly (tp), Nacim Brahimi (sax), Wendlavim Zabsonre (dm), Romain Nassini (clav).

* Laurent Stoutzer Praxis : les mouvements et les sons

« Sounds Of Moves » (ACM Jazz Label/Socadisc Absilone) du groupe « Laurent Stoutzer Praxis » est un objet étrange. Mais pas étranger. Car se trouvent ici des mystères, nombreux, incertains, inatteignables mais si proches de nous, de nos émotions, de nos secrets, de nos rêves, de nos imaginations les plus incertaines.

Le guitariste Laurent Stoutzer a toujours été influencé par le rock, que ce soit celui Neil Young, de Franck Zappa ou de King Crimson et quelques autres, mais surtout et peut-être davantage encore par la musique contemporaine (Cage, Stockhausen, Reich, Ligety ou Glass). Cela habite entièrement sa musique et cela envahit l’auditeur avec à chaque note ou à chaque silence une justesse de ton sidérante.
Il faut dire combien « Sound Of Moves » nous offre une authentique « grande musique », d’une grande beauté, d’une véritable poésie.
Aux côtés de Laurent Stoutzer (guitar, live electronics) on entend ici Bruno Angelini (piano, rhodes, live electronics), Arnault Cuisinier (b) et Luc Isenmann (d).

* Alexandre Perrot, Lande et « La Caverne »

Le contrebassiste Alexandre Perrot a emporté littéralement ses compagnons (Quentin Ghomari tp, Ariel Tessier dm, et Julien Soro alto sax) dans une aventure d’une rare intensité. Il est vrai que pour cela il lui fallait des partenaires d’une ardeur exceptionnelle et qu’il a su les trouver parmi les meilleurs de leur génération. On ne peut que rester étourdi par la rythmique d’Ariel Tessier, incessante, foudroyante que, bien sûr Alexandre Perrot partage avec lui. Ces deux-là provoquent-ils la trompette et le saxophone ? Nul ne peut le dire. Sans doute. Même pas eux, semble-t-il. Mais tout se passe comme s’il s’agissait là d’une situation d’urgence tant tout paraît vital.  e.

Et c’est cela qui est beau dans « La Caverne » (LOO collectif), dans les inventions incessantes du quartet Lande : la musique n’y est aucunement un ornement, un moment parmi d’autres, une beauté définie par une idée qui ne serait pas elle-même dans le monde des musiciens, ni dans le nôtre, mais elle est à chaque mesure, hors toute mesure, démesure, parce qu’essentielle, première, fondatrice, renversant tout sur son passage et l’ordre des choses avant tout.

* « Fish Eye » : peur de rien !

Finissons aujourd’hui en beauté. Avec « Fish Eye » (Jazzmobile) de Thierry Mariétan (g), Yoram Rosilio (b, perc) et Benoist Raffin (dm).
Il n’est pas certain que ces musiciens jouissent d’une grande notoriété à ce jour mais il serait justice que cela le soit sans tarder. On entre, dans cet enregistrement, dans un univers que l’on pourrait dire « inimaginable » si, au même moment, nous ne savions pas que ce que nous entendions là, c’était comme une part de nous-même. Et que cette musique était en son origine quelque chose qui est en chacun de nous. De façon diverse mais aussi de sorte que c’est cela qui nous réunit.

Il y a ici du free jazz, de la musique contemporaine, du blues, certainement d’autres musiques que l’on pourrait qualifier « d’originaires », qu’elles soient africaines, australes, occidentales. Elles sont du monde entier, partout où il y a quelqu’un pour les faire jaillir de ses émotions les plus intimes mais aussi les visibles si l’on veut bien, comme les poissons, garder toujours les yeux ouverts.

Peut-être n’est-il pas inutile de rassurer les indécis éventuels : il n’y a rien d’agressif dans la musique de ce trio. Ce n’est pas par la provocation, par l’interpellation des cris, qu’elle s’exprime et nous touche. C’est au contraire par une sorte d’introspection fondamentale qui, nous revoyant à nous-même, nous fait voir le monde s’un regard nouveau.

C’est un peu comme si tout recommençait. Si tout revenait toujours mais chaque fois différemment. Si le jazz était une invention permanente. Si, avec peu de choses ou bien avec beaucoup, avec tout précisément, il était capable de faire encore autre chose. Là même où l’on croyait parfois que l’on avait atteint le sommet.

Passe encore que le jazz ait su reprendre un nombre infini de fois le « Someday My Prince Will Come » de Frank Churchill composé en 1937 pour le film de Walt Disney « Blanche Neige et les sept nains » et que fut (presque toujours) une réussite. C’est autre chose de s’attaquer à des compositions que l’on doit bien considérer comme plus achevées (celles de Jean-Sébastien Bach par exemple et sans doute aurait-il fallu plus d’audaces que Jacques Loussier n’eût jamais pu en offrir mais Edouard Ferlet sans aucun doute) ou si populaires déjà, si abouties aussi il faut bien le dire, que réussir musicalement son pari semble, a priori, impossible.

yannick robert

C’est à la musique de Sting que trois musiciens – Yannick Robert (guitares), Gilles Coquard (basse) et Cédric Affre (batterie) viennent en quelque sorte de s’attaquer. Cela nous donne ce « Soul Cages Trio » (Alien Beats Records) constitué exclusivement par dix reprises de thèmes du chanteur bassiste anglais Sting qui, il est vrai, débuta sa vie musicale publique en jouant dans des groupes de jazz et dont on sait depuis longtemps l’affinité pour cette musique. Sans doute y avait-il donc là quelques raisons plus ou moins secrètes dans la musique de Sting pour qu’elle connaisse ce destin.

Gilles Coquard

Mais enfin, on pouvait s’attendre à quelques difficultés pour transmuer cette musique qui a séjourné si fréquemment et si longtemps au plus haut des succès populaires. Et comme en outre elle montre que le public peut avoir bon goût cela ne facilitait pas « l’affaire ».

cédric affre

Pourtant « Soul Cages » est une magnifique réussite. De bout en bout, en partant de « A Thousand Years » pour parvenir jusqu’à « La Belle Dame Sans Regrets » en passant par « Englishman In New York », « Message In A Bottle », « Walking On The Moon » ou « We’ll Be Together », Yannick Robert, Gilles Coquard et Cédric Affre ont fait bien plus qu’un tour de force « technique », ils ont profité de cette sorte d’ambition qu’il y avait en eux pour créer un univers qui est le leur, pas seulement celui de leurs inspirations, mais un champ (« chant » ?) nouveau, brillant, scintillant, intense, toujours si beau que l’on aimerait que les fans du chanteur/bassiste le découvre tous et surtout (et aussi) que Sting lui-même ait l’occasion de l’aimer.

Voici un nouvel et très bel exemple de la force du jazz à dépasser les frontières, à ne connaître aucune limite, à transformer le monde, à en porter la métamorphose incessante.

Cela commence par un tempo aussi rapide que l’éclair. C’est en tout cas l’impression que cela donne. Sans mesure. Sans mesurer. Pourquoi donc le faudrait-il ? L’impression n’est-elle pas cela qui compte quand il s’agit de musique ?

Nous voici donc entraînés, emportés, irrésistiblement par le piano de Manuel Valera (avec ses deux compères et complices que sont le bassiste Hans Glawischnig et le batteur E.J. Strickland), par un flux d’une vitalité inouïe dans cet univers qui porte le titre peut-être ambitieux de « The Seasons » (Mavo Records).

Manuel Valera a fait de cet enregistrement une sorte d’hymne aux saisons. D’hymne en effet, peut-être tant les références musicales sont importantes : Vivaldi bien sûr, mais aussi Haydn, Tchaikovsky (un œuvre pour piano, précisément) et dans une autre mesure explicite Beethoven (« Symphonie Pastorale ») ou Schumann (« Symphonie Le Printemps »).

Manuel Valera

Manuel Valera a ainsi composé quatre mouvements qui sont au cœur de ce disque et qui vont du Printemps à l’Hiver. Ils sont passionnants. Parce qu’ils n’ont rien d’attendu, ni de descriptif véritablement. Les images qu’ils inventent sont présentes avant toute  représentation, avant qu’elles soient constituées d’objets comme le seraient les fleurs du printemps, le soleil de l’été, les feuilles et la pluie d’automne, la glace et le vent de l’hiver, comme le seraient la naissance et la mort.

La musique de Manuel Valera est au-delà et surtout avant tout cela.

Lorsqu’on écoute cet enregistrement, une fois entré dans le thème introductif intitulé  « Opening » (celui au tempo susdit) il est déjà trop tard pour se demander si Manuel Valera a été trop ambitieux. Parce que tout ce qui passe dès ce moment là, aussi différent que cela peut-être d’une plage à l’autre, vous emporte, vous entraîne et vous conduit à ces quatre « plages ». Et, si vous étiez encore hésitant, suspicieux ou seulement sceptique, vous vous diriez sans doute que vous aviez tort : que, plus l’ambition est grande, plus la réussite l’est aussi.
Du début à la fin de cet album la musique est toujours belle, foisonnante, riche, éclatante souvent, introspective aussi parfois (« In My Life » de Lennon et McCartney), qu’il invente ses propres saisons ou qu’il joue Cole Porter (« What Is This Called Love ») ou Leonard Cohen (« Hallelujah »). Les saisons battent en son cœur avec éclat comme dans un équilibre incertain, comme celui de la musique lorsqu’elle sait nous mener sur des chemins incertains, irrépressibles.